domingo, 30 de enero de 2011

Mi difumino

Un difumino es un laminado de hoja de papel digamoslo comprimido, el interior es expulsado en forma de lápiz y se utilizadopor los artistas para mezclar el lápiz, el pastel y el carbón de leña. Este empuja el color alrededor del papel del dibujo, suavizando los bordes y los tonos para graduarlos.
No se exactamente que tipo de papel podemos utilizar para hacer nuestro difumino, he estado buscando y algunos de ello se realiza con un  papel secante y delgado, pero claro hablariamos de un difumino industrial. Yo creo que para nuestro propio difumino podemos utilizar cualquier papel.
Yo lo he realizado ahora mismo con ayuda, hay que decirlo, (por mi accidentillo...) pero vosotros lo podeis realizar sin ningun tipo de ayuda, y sin ninguna experiencia.

Tortillon1 El primer paso es coger una hoja A4, dejaremos unos 2 dedos en cada ancho como lo veis el dibujo, marcando una diagonal, esta diagonal la cortaremos y obtendremos 2 piezzas de papel. Con esto podemos realizar 2 difuminos.

Tortillon2Segundo paso es desde el extremo más estrecho, trataremos de rodar el papel de manera uniforme y bastante bien, hacia el borde más ancho. Lo apretaremos lo mejor y lo más fuerte posible.Hasta llegar al final. 

Tortillon3 El tercer paso de nuestro difumino sera empujar con una aguja o un pincel nuestro conito, para formar una forma de lápiz.

 

Tortillon 4 Ya por último necesitaremos asegurar el papel con una pequeña tira de cinta adhesiva y recortar cualquier exceso de papel de la parte superior.


Terminado nuestro difumino podemos lijarlo un poquito para dejarlo suave y aterciopelado. Tambien podemos utilizar la lija para limpiar nuestro difumino ya utilizado o un papel en blanco y frotando sobre el.. Tengo que decir que también para difuminar podemos utilizar el dedo, un papel sedoso, un trapito o un cacho de terciopelo...por provarlo no pasa nada pero es más fácil comprarse ya un dufumino industrial, son muy baratos y los encuentras en papelerías o tiendas especializadas , nos durara más y puede ser más eficaz

Jackson Pollock

Pintor de 1912-1955, utilizaba el pripping una técnica de goteo de chorreo. Su profesor fue Thomas Hart Benton. Siempre trabajo con murales, esta idea de mural está relacionada cuando  hubo la revolución y cuando se quería informar sobre los ideales comunistas de Primo de Rivera utilizando murales. Y siente admiración por los muralistas mejicanos americanos. Trabajo en EEUU, su mujer Lee Krasner le ayudo. Y Peggy Guggenghein le admira (amante) y consigue que pueda exponer en el Guggenhein.

Se libra de sus obsesiones pintando, pero su pintura sus obras cambian cuando va a los Hamtons con su mujer. En esta nueva forma de pintar por goteo no quiere que pueda haber una figuración por eso no pone títulos a sus cuadros porque connota al cuadro. Tampoco hay prioridad espacial no existiendo los cuerpos, no se reconoce ninguna figura (no ismo- superficial). Pintaba con goteo en el suelo, para más tarde ponerlo como mural, siempre piensa como ponerlo en la pared (una referencia de rechazo de una verticalidad en el cuadro coge la idea de las catedrales, monet y recurre al trabajo en círculos y cada vez con menos colores). Tiene referentes de la ciencia de las imágenes microscópicas.

Obras:

-CUT GUT
-SERIE NEGRA (UNAS 50)
-RETRATO Y UN SUEÑO
- CAUDROS REFERENYES A LA PASCUA Y TOTEND (Glimbbert le critica por volver a lo de antes)



Jackson en vez de utilizar materiales artesanos con la calidad de los colores de la gran academia de bellas artes, con soportes especiales y los diferentes pinceles, él utiliza materiales industriales con esmaltados y pintura en lata, como soporte utiliza telas tipo mural y lo le hace lo que son las cerdas de los pinceles ya que su pincel no toca en ningún instante el soporte. Hace referente al primitivismo al usar el suelo.
Sus cambios fue de la figuración como PAISAJE MOINO, luego se carga la figuración sin un arte político existente, llega a una abstracción al que no se compromete con el paisaje ni con la naturaleza como DESCOMOPOSICIÓN CON PANCARTAS, y ya por ultimo intenta descubrir un nuevo territorio, reduciendo a cero la representación pictórica, acabando con la unidad del cuerpo, con la geometría, su mundo es aplanado y no como algo escénico.

Kurt Schwitters y sus collages

Decimos que el collage es una técnica artística que consiste en pegar objetos sobre un soporte para formar una nueva obra. Picasso y Braque fueron los primeros en utilizar esta técnica en sus obras pictóricas. Un tipo particular de collage es el de fotomontage realizado a base de recortes de imágenes impresas.

Pues bien cuando el collage se vuelve tridimensional hablamos de assemblage. Es un proceso de construcción escultórica que consiste en ir pegando unos objetos con otros para crear otro nuevo.Cuando el volumen de los objetos pegados en un collage es muy grande se puede decir que es un assamblage. He visto que muchas veces se cita a la obra de artistas emblemáticos por sus collages como Kurt Schwitters en ocasiones como collages y otras como asamblage así que podemos utilizarlos nosotros también.

Nos encontramos con un collage de estilo desenfadado y dadaísta de Kurt Schwitters. A pesar de que la estética es muy parecida a la del grupo Dadá de Berlín, Schwitters solamente pertenece un tiempo a este movimiento ya que es expulsado enseguida. Como consecuencia, él mismo crea su propio grupo Dadá en Hannover y le llama Merz. Este nombre viene de un trozo de palabra en uno de sus collages. La estética es prácticamente la misma pero la esencia y filosofía es distinta porque el grupo Merz, al contrario que los Berlineses, no son tendenciosos políticamente hablando y así lo muestran en sus escritos y obras. Se dejan influenciar por el constructivismo ruso, por su manera estructurada de hacer las cosas, e incluso por la limpieza de formas del grupo de Stijl. Pero siempre partiendo de su base protesta anti-arte, abogando por lo aleatorio y lo inmediato.

Este pensamiento se ve en Kurt Schwitters de manera más directa en sus collages, trabajos que realizó prácticamente toda su carrera artística desde el año 1919. Son recortes de prensa, fotos recortadas, entradas de autobús, trozos de cartón… todo colocado de manera aparentemente casual dando lugar a obras como esta que vemos, que nos proyecta distintas texturas y formas geométricas con trozos de palabras que dejan huella a pesar de no significar nada concreto. Hizo collages de muchos tamaños llegando hasta el gran formato y a pesar de aparentar aleatoriedad, llevaba detrás un minucioso trabajo.

Los collages no fueron el único trabajo artístico de Schwitters. Se trata de un artista polifacético que trabaja también con la literatura, los sonidos y la música. Tiene poemas de letras, partituras de música inconexa, obras de gran tamaño con materiales de deshecho… se trata pues de un revolucionario, por crear un estilo anti-arte de protesta como una burla a la sociedad actual, y un pionero ya que posteriores artistas, sobre todo después de la II gran guerra, han seguido su sendero y han utilizado los mismos materiales como método creativo.
 

Alberto Giacometti

Escultor del surrealismo, italiano,  1901-1966, no tuvo ningún tipo de estudios, pero su padre era un pintor del postimpresionismo. Viaja principalmente a París para empaparse del arte  moderno. En una cena de artistas se encuentra a Picasso y a Matise (quien enseña a Picasso una máscara) En esta época se puso de moda tener mascaras, sin duda alguna, Alberto  estaba muy interesado en estas. Realiza una máscara sobre la cultura kota, la  representa con características como la concavidad y convexidad, intenta dibujar  cuerpos clásicos pero sin estudios solo dibuja lo que llega a ver en la realidad. 

Sus esculturas son cuerpos esqueléticos, muy finos y estilizados. Intenta resolver de la manera más contundente posible los volúmenes  y entender los volúmenes de forma directa, geométrica. Esculturas policromadas, aplana y potencia las máscaras igual que la estructura formal con diferente material y diferentes esculturas. Sus obras estaban fundidos, con carácter fundido y funcional.

Sus referentes eran:

Del museo Trocadero, en Bruselas, por el interés en las artes primitivas que allí se exponía, las obras no solo eran estéticas sino también mantenía una función, pero pierden su sentido original y sagrado y como hemos dicho antes una de sus características es la representación de la concavidad y convexidad como un cuerpo femenino, como una cuchara la cual representa el vientre de una mujer  y su fertilidad. También podemos relacionar sus cucharas con las artes primitivas, estas culturas las utilizaban como herramientas- función.

La tradición del Louvre, está fascinado con Rembrant (en la que prima la densidad de los cuerpos) mantenía en los últimos trabajos sobre todo la misma escala que las figuras de la tradición, a escala. Sus obras filiformes, que son cuerpos hilo, existían en muchas culturas primitivas africanas. Son figuras totalmente depuradas como las de Brancusi.
Por el arte japonés, él conoce los grabados de Hokusay e Hirosigue, son grabados de la vida cotidiana, que él mismo hará copias y versiones. Realiza una versión de la exposición de parís 1851 sobre los grabados japoneses.

Por el arte egipcio, también admira los rostros y los perfiles de esta cultura –primitiva.  Está fascinado por las enciclopedias, en las que dibujaba. Este interés es porque Napoleón quiso tener mucha arqueología egipcia e hizo una gran enciclopedia donde situaba todos los rincones de Egipto “descripción de Egipto”. Fue el primer libro publicado junto con el nuevo horario de Napoleón. También hay ejemplos de cuerpos egipcios de 1920 referente a todo la enciclopedia de Napoleón.

Y tiene voluntad de buscar cuerpos cilíndricos como los de Cezanne.


-IDOLOS DE LA GUERRA Y LOS IDOLOS DE LA MATERNIDAD, los representa como animales chamanicos con influencias de otras mascaras de las culturas basouga y basundi. Al igual que Karl Einstein, historiador expresionista alemán, también le influyo las mascaras, hizo un estudio del uso de artistas contemporáneos y  la pregunta ¿para que eran realmente las mascaras?

-LA MUJER CUCHARA, vaciado de bronce como en la tradición, COMO LA MUJER ACOSTADA, la nariz-casco mascara de la cultura baining,indo-americana.

 –FIGURA, con cultura nyhuwez.

-LA MUJER QUE MARCHA, de 1930, arte móvil y muda.



-LAS MUJERES DE VENECIA, esculturas pinchadas ,sus soportes se introducen como raíces en el suelo y sus pies se ensanchan.

Constantin Brancusi

Escultor del s. XX (1876-1957) era rumano de Transilvania, estudiaba en la gran academia de bellas artes de Bucarest por lo que tenía unos estudios sobre la anatomía del cuerpo. Distinción con Rodin:

Rodin modelaba todo, estaba medio ciego por eso casi toda su obra es para una lectura táctil. Sus métodos preferidos eran los más afines al modelado, en concreto los vaciados en bronce. Su taller era como una gran empresa (como si fuera un maestro de la tradición, lo académico) tenía una serie de escultores que trabajan para él. Realiza cuerpos carnales y apasionados.

Brancusi le conoce gracias a las exposiciones universales, le admira y llega a París convocado por la figura de Rodin. Pero Brancusi definió su escultura contra lo que había hecho rodin hasta entonces. Uno de los motivos para hablar de Brancusi como el primer escultor moderno es el hecho de que trabajara solo, tiene una gran afinidad a su obra cuanto más próxima la tiene.

-EL ORIGEN DEL MUNDO,  utiliza la sección de oro, es el material de bronce pero muy pulido y como el bronce tiene un gran porcentaje de oro es el que más se ve, siendo unas esculturas con forma de huevo amarillos. El propio título no podría ser el más indicado para hablarnos de esa obsesión por el origen de los primeros artistas del siglo XX, lo primitivo. Pero también los arqueólogos creían que tenían influencias griegas por la utilización de bronce y piedra, marmol. Hace series de  cada una de sus piezas revisando y depurando la forma o directamente cambia los materiales.

Un punto importante es que su escultura se basa de una influencia las de las máscaras africanas, las conoce gracias a las exposiciones universales. La geometría y naturalismo conviven en muchas culturas. Utiliza formas de semilla, HUEVO, vientre, es decir, relacionas con el origen de la vida y de la creación artística. Brancusi lo que desarrollo fueron geometrías, las más puras, las que están generando. SU OBJETIVO FINAL es buscar y estudiar la forma como esencia o como origen de la forma, para ello recurre a los materiales táctiles fundamentalmente visuales, materiales como el cristal, el mármol, el bronce pulido o oro. 

Influencias clásicas ya que tiene un gusto por el naturalismo; la estructura geometría, rígida, simetría y la piedra por parte de Egipto; templa la rígida geometría, construyendo cuerpos con perfecciones celestes del Griego; no es un cuerpo atrapado en el bloque de piedra, son cuerpos continuos, son esculturas las cuales puedes ver de cualquier perspectiva, mantiene una continuidad en el espacio y hay un principal plano. Por ejemplo el bronce lo utilizaban en a Grecia y con formas primigéneas. También tienen un interés por tribus primitivas y máscaras.  

-EL RECIEN NACIDO, la geometría o la pureza de las matemáticas (sección de oro) son buenos elementos para sublimar las pasiones. Es un huevo cortado en el que representa el grito de un niño de 1908, es un tallado que no es moderno.  
 
Trabajo en la fábrica de sillas, Thonet en 1902, donde se inicio a estudiar a modelar. Tuvo una temporada en la trabajo en la citroen, como mecánico para pagarse su estancia su estancia en Paris donde conoce y trabaja con la taladradora. Se compra una para pulir sus obras de bronce, para quitarle esa carne negra y dejarlos dorados y puros. 

Quiere contar su trabajo en su taller pareciendo un artesano solitario. Se encuentra con Dusamp 1906-1907.Le llega a pasar lo mismo que a Louise Bourgeois que tuvo que desplazarse de nueva york a parís y de parís a nueva york cada cierto tiempo. Conoció a Louise por  las exposiciones universales. (torso de hombre joven obra de Brancusi hecho con acero pulido, rascacielos??)

-LA MÁSCARA FUNERARIA, retrato  en roca, con la técnica de vaciado de cera blanda o bronce. Estas máscaras las utilizaban con un fin chamánico-primitivo. Tiene referencias sobre los hechiceros y brujos que en sus rituales utilizaban las máscaras, como un objeto que les hacia transformarse en otros seres superiores llenos de magia y poderes sobre humanos con espíritus y poderes de animales. En sus rituales entraban en un trance en ese trance pintaban el arte primitivo.

-LA TORTUGA VOLADORA, presenta una tortuga alreves. En Brancusi siempre está el impulso de lo ingrávido, de lo volador. La depuración de la gravedad es la que hace que sus cuerpos floten, que sean etéreos. 

-EL BESO, en esta obra busca como se explica el amor a los niños, no siendo nada carnal sin representar los miembros de la anatomía que representa el sexo, como forma arcaica. Recurre a la influencia de las máscaras. En el caso de Bourgeois reconoce la carnalidad del cuerpo pero por el contrario Brancusi estiliza las formas, una sublimación de las connotaciones carnales. (resulta ser un falo) Esta imagen está hecha en relieve como los egipcios.
 



-COLUMNA SIN FIN, de 1920 empezó siendo una escultura de madera, tallando un árbol con un hacha,  con forma en crecimiento como los rascacielos mayorkinos, pero también en esta obra ha realizado una serie con diferentes materiales. Esta escultura está basada en la tradición primitiva sobre la mayastra , que es un pájaro funerario de la cultura rumana, mezcla lo moderno de la escultura de Nueva York y la tradición de su país de origen. El pájaro funerario se representa como un pájaro que une lo celestial con lo terrenal, esta simbología significa y la utilizan las tribus, no alaban a los dioses porque si los alaban, les dan ofrendas y demás para que tengan buenos años de cosechas y caza porque es de ello de lo que viven. El pájaro se sitúa en la parte superior del árbol mágico (lo celestial representa lo ancestral (metafísica) y lo terrestre representa lo femenino, la vida y la muerte. El toten es un símbolo masculino. Esta obra la realizo sin maquinaria alguna, ni tornos.

Respecto a esta obra existe un cierto paralelismo con Bourgeois: los dos pulen las superficies buscando un reflejo ella se imaginaba que los rascacielos que veía desde su azotea eran los seres queridos que había dejado en Francia. A Brancusi le pasa algo parecido: cuando viaja a Nueva York invitado por Duchamp desde el barco veía los edificios a lo lejos y dijo que se parecían a las fotos de su estudio. Quede fascinado por la repetición del mismo módulo, esa geometría acumulada, repetida infinitamente hasta el cielo. Esta pieza es la experiencia de esa ciudad de los rascacielos.


-EL PÁJARO EN EL ESPACIO, de 1930 los depuraba saturándolo, con forma de pluma girando sobre sí misma, da una sensación de volar, impulsado hasta el cielo.

- EL GRAN PEZ, de 1922, se expone en el MOMA, representa lo básico, lo simple, el comienzo y nos ofrece luz más que masa, sintetiza el cuerpo con las formas más básicas de la naturaleza. Es una especie de capitel (clásico) en el que se sostiene el pez, el capitel es un tronco de madera (construcciones de madera, japonesas) hay unas influencias por una parte el tallado de sus obras con la cultura que utiliza la madera y con las influencias de las máscaras africanas, ya que lo realiza como si estuviera trabajando la madera con hachazos.

-LA FOCA, EL MILAGRO, de 1942 (John Quinn , Filadelfia, coleccionista de Duchamp y Brancusi, su hija enferma vivió con Brancusi en su taller). Tiene una visión de la niña saliendo del agua en el lago que la cura y limpia el alma, se le parece como una foca. Es blanca.

-MADAM POGNANY, como los ojos de las máscaras de Oceanía, Pognany la representa como un retrato vanguardista, sigue siendo una serie de huevos.

-LA NEGRA RUBIA, vio un concierto de jazz en la que había una negra con pelo rubio, 1926, cabeza como objeto de cultura, con influencia de las máscaras africanas de la cultura Gabón.

-PRINCESA X, con forma de falo, tallado representa a una mujer asomada a un espejo se quiso exponer en el salón de los artistas independientes pero no se expuso por su escándalo.

-ADAM Y EVA,  senufo, mascara casco de la cultura senufo- de costa de marfil, la pequeña chica francesa.

-PUERTA DEL BESO, puerta abstracta, hecha con honor a los muertos.


Desconocido, innovador, creativo, singular para los primitivos la reacción artística es muy importante, por la naturaleza rica pero dura , necesidad del humano con la escultura-mascaras. Como las maquinas de la exposición innovadoras de lo occidental hay nuevos referentes, renovar la escultura moderna, pero a la vez recuperar lo artístico de lo primitivo.
En 1917 expone en una exposición moderna en estados unidos con la ayuda de Duchamp. Su primera exposición fue Armory show, almacen ejercito alquilado por artistas independientes de arte moderno en nueva york, chicago.  
-LA MUSA DORMIDA, de 1910 en bronce, empieza a pulir sus piezas, es un bronce negro y dorado (1873, salón independiente de monet)Es una pieza suelta que se apoya y duerme sobre una mesa.
Uno de los primeros referentes y principales fue Rodin; escultor del siglo XIX ciego siendo sus obras con textura, táctiles. Modela todo tocando en piezas negras. Andre Kertea fotógrafo (Brancusi era aficionado a la fotografía-tecnologia). Han Roy que era un amigo de Duchamp.

Julio Gonzalez

Español de familia de orfebres (mezcla de metales más soldaduras) que colaboraron con Gaudi. Julio quería ser pintor pero se dedico en la totalidad de su vida a la escultura. Cuando viajo a París, visita el taller de Brancusi y tuvo varias tertulias con Picasso. Pero también hay que decir que siempre quiso ser pintor. Aplico las tegnologías, materiales y procedimientos nuevos, modernidad-nostalgia, hay una continuidad entre los materiales que uso y la obra y las herramientas con las que trabaja.

Hasta entonces el hierro se había utilizado para hacer herramientas, exposiciones universales, estaciones de ferrocarril…. Era el material funcional por excelencia (el más barato). El material que más se utilizó en escultura era el bronce, ya que era el más duradero. Julio utiliza el hierro por primera vez para hacer escultura. Podríamos catalogar como escultor, herrero.

-BAILARINA DESPEINADA, de 1935, varillas de hierro y puntos de soldadura eléctrica al contrario que el bronce que es permanente el hierro se oxida, se desgasta. El hierro es músculo es potente aguanta, tiene potencia estructural y tiene valor de dibujo. Son cuerpos femeninos que venían de la escultura de Rodin o de las bailarinas de Degas (metamorfoseándose). Desmaterialización de sus representaciones, es un cuerpo depurado y dinámico, ha perdido la carnalidad en un signo con varillas de acero. Lo construye como si fuese una arquitectura o ingeniería.
Hace piezas parecidas a las de Brancusi. Pero utiliza cucharas, tenedores, pinzas…. Es un cuerpo depurado, se ha convertido en un signo con varillas de acero. Brancusi recupera la talla directa. La mayoría de las máscaras africanas estaban originalmente talladas en madera y Brancusi las ve en las exposiciones universales y en esos los museos antropológicos. Julio también trabajo la talla de esa manera primitiva (las dejaba a medio tallar)

-MÁSCARAS DE MONSERRAT GRITANDO, de 1937, artista del exilio, hace una exposición  de Paris para mostrar los horrores y los desastres de la guerra civil, encargado a Picasso refleja la política española mediante una campesina gritando por la guerra. Mano derecha-1935-1936 de Montserrat, piedra tallada  en yeso. Prima la estructura bajo la masa. Y Picasso realiza el Guernica como representación de la guerra coge la influencia para realizar a Montserrat y sus manos erguidas y porque Picasso también realiza una serie de mujeres gritando. Escultura, urto entre lo natural y lo artificial, entre la máscara y el gesto real. Reconocemos la densidad de la materia muerta.

Utiliza modos de construir arquitectura o ingeniería en su escultura. No sólo porque utiliza las técnicas industriales de soldadura sino que hace lo que la Torre Eiffel supone para una torre de piedra, reducirlo a un dibujo en el espacio (ese era el ejercicio estílico primitivo: imaginar las estrellas como geometrías puras)

-MUJER CAPTUS,  representa a una mujer en el espejo, parecida y con influencia de las bailarinas de Degass pero en escultura. En 1942, utilizaba material como la chatarra, no se permitía el hierro, aprendió en la guerra, tecnología moderna de soldadura en planchas de acero, las bailarinas, le condicionan la escultura la hace volar.
 
-LA CABELLERA, no tiene densidad, es también de bronce, tiene influencia de Brancusi. Es la representación de una mujer atraves de un gesto.

-CABEZA YACENTE DE MUJER, tallada directamente, no está pulida y es una manifestación primitiva.

-EL ENCAPUCHADO, de 1914 plancha de acero, con influencia de artes parietales, aprovecha la forma natural.
-DESNUDO DE UN LIBRO, coinciden con Picasso en 1920, hecha en soldadura.

-BARBA Y BIGOTE Y TOCADO DE ANTÍLOPE, cultura bambara de bali, relacionado con ritos religiosos chamánicos.

-LA MUJER SENTADA, no voluntad de permanencia.

-EL PEQUEÑO TORSO EGIPCIO, modelado con chapa, dependencia geométrica por eso egipcia .

-MUJER CON ÁNFORA, con vasija a los dioses.

-EL GRAN TORSO FEMENINO, MANO ERGUIDA, MANO ACOSTADO, se expone en el MOMA, las manos son influencia de Picasso-Guernica.

-LA BAILARINA DE LA MARGARITA, a partir de las bailarinas de Degass,10 años mas tarde en julio 1920-1930, las daría otra vez a conocer. Predominando los huevos, los besos las mujeres captus, las bailarinas con presencia de Picasso y Brancusi. Temas de Degass y Manet, la mujer ante el espejo.




Sus referentes Degass con sus bailarinas; Picasso trabajo con él; la propia torre Eiffel; Gralia, tres gracias, estética clásica de la belleza en movimiento; Rodin, estudio del cuerpo Julio lo convierte el cuerpo de un alambre; Brancusi talla directa, piezas perecederas con material pulido y tallado; trabaja como soldador de Citroen y por la simbología y los gestos esta influido por las máscaras africanas.


Monet

Monet fue un pintor del siglo XIX (1840-1926),en Paris, sus temas fueron la naturaleza y también coincide con buena parte de la estética de lo sublime. Fue el primer artista moderno, porque fue el primero que rompió con la utilización de las tradiciones occidentales, aunque se forma en la academia e intenta reflejar en sus obras sus conocimientos sobre la anatomía (rostro). Inicio el estilo del impresionismo que era un interés de captar la luz a partir de un esfumato, sin líneas. Quiere seguir pintando en el salón pero utilizando materiales modernos, es uno de los últimos pintores que pintan con óleo, une lo tradicional con lo moderno también de las arquitecturas modernas de las arquitecturas industriales. John Berger cuenta que cuando ve un paisaje de Monet, es un paisaje de nieve, una nieve de colores. Patint inventa el paisaje pero no lo hace al aire libre sino hacia maquetas. Año cero del impresionismo 1873.

-IMPRESIÓN SOL NACIENTE, toda obra impresionista intenta como bien dice la palabra impresionar, dar una impresión (la palabra de impresionismo es la impresión de la invención de los fuegos artificiales, las personas se sorprendían) esta obra fue una de sus primeras obras, en ella se expresa un espacio inmenso amenazaba los cuerpos en medio del amanecer.

_EL PUENTE DE WATERLOO, viajo a Inglaterra a Londres, aquí conoce a Turnes de quien se nutre para crear sus obras, introduce en sus obras los edificios institucionales de Inglaterra. Se interesa hacer una convivencia del gótico (arquitectura, medieval) con lo moderno, para pintar sus cuadros utiliza fotografías para pintar sus instantes como si fueran postales. 

_SERIES DE LA CATEDRAL ROVEN, en esta serie quiere expresar las diferentes horas de luz las cuales inciden en la catedral, por lo que las hace a cada serie distinta instantáneo y sin estabilidad. Quiere dar a esas catedrales medievales con un toque moderno. Sus estudios sobre la luz fueron únicos fueron innovadores (nunca hecho antes)

-MUJERES EN EL JARDÍN, Es una obra de grandes dimensiones con esto intenta que el espectador se adentre en él y que cuando se colgase en las grandes casa de los burgueses representa lo que esta fuera, lo que se está viviendo afuera. Esta obra es un momento un instante de tarde en el campo, expresa fugacidad. En la composición del cuadro no tiene una referencia como la de la academia, ya que no hay una composición equilibrada, hay un vació y las figuras no tienen importancia en la composición, solo  intenta pintar un instante no retratos ni situaciones personales. De los años 60 todavía en esta época quería entrar en la academia.

-MUJER CON SOMBRILLA VUELTA LA ESPALDA, 1875, cada vez los formatos son más pequeños porque para ir al campo y hacer varios bocetos no puede llevarse todo el material pesado por eso coge láminas pequeñas y pinta con un caballete pequeño. No sigue como hemos dicho antes la tradición académica, no hace un cuerpo sólido, lo realiza sin un rostro determinado porque no busca un retrato y la imagen parece que  se está moviendo siendo fugaz, la luz sigue siendo la protagonista.

Para que la gente pueda ver sus obras necesitan tener un estatus social importante pero él quiere que esté al alcance de toda la gente, por eso realiza en su estudio una especie de exposición impresionista 1870 (exposición de los artistas independientes, fue el primer salón (museo) impresionista) la realiza en la boardilla del fotógrafo Nadar. Gustave Klin era un pintor contemporáneo a Monet.

-PINTA LOS BULEBARES, siendo un tema de contraste, diferente.

-BALNEARIO DE LAS ROCAS NEGRAS

-ESTACIÓN DE SAN LÁZARO, representa muy bien las estaciones su técnica ya que hace un gran esfumato representando el humo, lo instantáneo intenta unir el tema de poder ir al campo de excursión y poder pintar gracias al tren.


Está fascinado por los grabados japoneses pudo estudiarlos gracias a las exposiciones universales que llegan a Europa, más tarde consiguió pintar y reflejar los estanques, los invernaderos,… toda flor también tiene su instante de vida y luego muere. Le gusta los nenúfares porque solo se ven en el agua de día y por la noche se sumergen siendo un instante de aparición.

Le influyen Tao, por sus rostros, cuerpos, espacios… los grabados japoneses, cuando pinta las zonas del Sena le recuerdan a los grabados japoneses y por representar la vida cotidiana y sus costumbres….y los pintores o dibujantes de artes menores- la caligrafia.

domingo, 23 de enero de 2011

Acuarelas

La acuarela es una pintura sobre papel basic o de acuarelas o cartulina (tienen que ser papeles que absorbentes el agua y no resbale demasiado y es favorable que el papel sea grueso para que no se ondule tanto por el agua) con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga y glicerina o agua-miel que le proporcionan elasticidad y evitan que las acuarelas se cuarteen y se rompan las capas de color una vez secas también tienen un agente conservador que suele ser un derivado del ácido salicílico. Las acuarelas, en estado sólido (pastillas o tubos o incluso lápices acuarelables), se disuelven en agua y se aplican sobre el papel con un pincel de buena calidad (redondo, de pelo natural o sintético). El pincel en estado mojado, tiene que formar una punta perfecta. Además, el pincel tiene que reaccionar a la presión más liviana de la mano y nuevamente elevar sus pelos con presión disminuyente.
Decimos que la pintura de acuarela es lisa y llanamente un compuesto que pinta y utiliza los pigmentos de agua- soluble que son transparentes u opacos. A través de esta se consiguen obras muy duraderas y aunque no pueda rivalizar con aceites para su durabilidad, es por sí mismo un medio que tiene una historia muy duradera.
Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permanecen cuanto más calidad tienen los pigmentos. Podemos encontrar los colores en tubos o pastillas, en las dos formas vemos las diferencias entre pigmentos.

Aunque es un tipo de material moderno, a lo largo de la historia se han empleado diferentes pinturas a base de agua, se puede decir que las primeras acuarelas hicieron su aparición en los papiros del Antiguo Egipto 

Al principio hacían esto con tintas planas, y luego las cambiaron por las tintas desvanecidas consiguiendo así los primeros claroscuros.. Luego vinieron los dibujos orientales a tinta, éstos eran en realidad una forma de acuarela moderna; en Europa Medieval, se utilizaban pigmentos solubles en agua aglutinados con un densificador. Las acuarelas renacentistas son las que implicaban los estudios de paisajes y de animales, uno de los pintores renacentistas fanático de la pintura de acuarela era el alemán Alberto Durero. Las pinturas de acuarelas inglesas tuvieron su auge a mitad del siglo XVIII, en ellas se glorificaba la naturaleza y la belleza natural, además de ser la técnica más beneficiosa para pintar al aire libre, la acuarela era el material perfecto para representar los temas románticos, tales como cielos tormentosos, bruma y niebla y espejos. Los americanos, a principios del siglo XIX consideraban a la pintura de acuarela principalmente como un instrumento de bosquejo, es decir, era una técnica que ejemplificaba un paso previo al trabajo real en sí. 
 
Para aquella época se utilizaba el aceite o el grabado con mayor frecuencia; por otra parte, los artistas ingleses, a mediados del 1700 ya habían elevado la pintura de acuarela a un medio serio. En esta nación, la acuarela había sido utilizada primeramente por arquitectos y topógrafos, pero pronto los artistas empezaron a mirarla como un buen material de trabajo. El genio Homer Winslow fue el primer gran artista americano que utilizó la pintura de acuarela como medio de expresión seria; una vez aceptada, esta pintura se convirtió en un elemento inevitable para el pintor americano; no es casualidad que este tipo de pintura hay constituido gran parte de la historia del arte estadounidense. Pero volviendo a los orígenes de dicho material, es necesario aclarar que la historia de la acuarela data, como mencionamos al principio, de la historia del papel; éste último fue introducido a España por los moros a mediados del siglo XII y luego a Italia 25 años después. El precursor de la pintura de acuarela era la pintura de fresco, este tipo de pintura se empleaba para decorar las paredes sobre yeso mojado; el ejemplo más famoso de este material se encuentra en la Capilla Sixtina, empezada en 1508 y completada 6 años más tarde. 


¿Como realizamos nuestras acuarelas?
Este trabajo ha sido para mi gusto más fácil, rápido y limpio. Con esta fórmula nuestras acuarelas han quedado muy bien, el azul y sus secundarios nos quedaron un poco craqueladas pero se soluciona poniéndole un poco mas de agua-miel. Pasos a seguir:
  • Disolver una parte (por volumen) de goma arábiga en 12 partes de agua caliente dejar reposar durante 48 horas para su completa disolución. 
  • También tenemos que realizar el agua-miel, que
  • Luego en una jeringuilla dividida en  7 medidas de volumen, mezclamos 7 medidas de la goma arábiga ya disuelta en el agua, 2 medidas de glicerina y la mitad o menos de 1 medida de agua-miel .
  • En una cubitera realizamos la mezcla de los pigmentos en polvo previamente o el color puro y vamos añadiéndole poco a poco nuestra mezcla, siempre poco a poco porque es mejor que podamos añadir que nos sobre liquido.
  • Mezclamos hasta realizar la unión homogénea de nuestros materiales, nos tiene que quedar con un volumen más o menos de un tapón y con una textura como la de yoghourt
  • Y dejamos secar 24 horas y ya tendremos nuestras acuarelas!!!
Algunas de las dificultades fueron el querer mezclar el azul con la disolución era muy difícil de que se unieran. Y una advertencia que podemos decir siempre intentar hacer una mezcla grande porque al secarse es evidente se evapora el agua que contiene nuestra mezcla y disminuye su volumen. Nuestro fallo fue que el azul se craquelo  y teníamos que haber pues más agua-miel para darle más plasticidad, pero para mi gusto es mejor que se craquelen un poco a que les pongas mucha glicerina o agua-miel y no te lleguen a secar y se  te queden unas acuarelas liquidas, que son más difíciles de ponerlas en un soporte donde no se te estropen.


Mis materiales
  • Rojo Solintor GHS
  • Rojo Magenta Mezcla AV (PR122)
  • Azul Turquesa de Ftalocianina-Azul conorga
  • Blanco de Titanio ((PWe)
  • Negro Marfil (PBk9)
  • Amarillo de Cromo Claro (PY34)
  • Goma árabiga
  • Glicerina
  • Agua-miel

Utilización: La técnica "transparente" de la acuarela implica la superposición de lavados finos y se basa en la blancura del papel para obtener mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. A medida que se superponen más lavados el color se hace más profundo. El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas o trapos. La acuarela da muchas posibilidades: la técnica del lavado nos permite crear degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores.
El papel previamente de ser utilizado para pintar sobre él, es necesario que lo tensemos. Para ello tenemos que empapar el papel en agua y ya después de un poco seca lo tensamos en una tabla gruesa de madera (que no se abarquille con la humedad del agua) con cinta encolada (se humedece antes de ponerla para activar la cola) y lo encuadramos, ese margen no lo podremos despegar por lo que cortaremos. Y ya tendremos nuestro soporte listo y preparado para que no se doble el papel.
Las pinturas de acuarela son, junto con el pastel y el óleo, un tipo de pintura muy utilizado por casi el 90% de los artistas plásticos, es que este material nos permite llevar a cabo obras magníficas por el simple hecho de que nos otorga innumerables técnicas.
La característica de transparencia que producen estos pigmentos diluidos,  hace también que la técnica sea difícil, como difícil resulta la tarea de corregir o disimular algún error que, en el periodo de ejecución se produzca, aunque siempre existe algunas posibilidades que brinda el conocimiento y comportamiento de la acuarela, lo que unos denominan trucos y otros recursos.
Todo el “secreto” de la pintura a la acuarela se basa en sí en tres principios fundamentales de la técnica de pintura: el barnizar, el lavar y el granular.
  • El barnizar (Técnica en seco)
La pintura fuertemente diluida se aplica sobre el papel seco o sobre áreas de pintura ya secadas. Las áreas estando una al lado de la otra, no deberían mezclarse. O se debería esperar hasta que la primera área se sequé o se debería dejar un borde seco entre las áreas. Después del secar se puede poner finalmente otras capas encima. De esa manera se logra tonos más oscuros de colores o mezclas ópticas.

Con la técnica del barnizar, los colores no logran el brillo de la técnica aguada.

  • El lavar – (técnica “mojado sobre mojado”)
Con la técnica „mojado sobre mojado“, se aplica pintura con mucha agua diluida sobre el papel mojado o húmedo. Mediante esa técnica nacen flujos suaves de pinturas y límites borrosos y fluidos de cosas. Es muy impresionante qué formas se pueden crear. Hay que tomar en cuenta durante el mojar del papel con la ayuda de una esponjita o mediante remojar en una tina que no se forman charcos sobre el papel. Sino, en los charcos se puede concentrar pintura que seca con bordes muy afilados.Sobre todo áreas grandes como p.ej. el cielo y fondos, se dejan representar excelentemente con esa técnica.Con la técnica de “mojado sobre mojado”, se comienza con una aplicación de pinturas claras que se mezclan fuertemente, sobre un área grande. Con el tiempo de trabajo avanzado, se utiliza cada vez más pinturas más oscuras que después del secar del papel se mezclan siempre menos. Detalles importantes se pone con un pincel pequeño sobre un fondo secado.

  • El granular: Mucha pintura se lleva con poca agua y con una posición del pincel extremadamente plana sobre una superficie áspera de papel. Las partes altas absorben la pintura y en las profundidades del papel dónde no se queda ninguna pintura, se forman las así llamadas lucecitas blancas.


Mi experiencia personal: es una técnica para mi muy experimental, te puedes soltar y utilizar la pintura con el agua a tu gusto primero claramente tienes que hacer pruebas y estudiar como controlar y como realizar las manchas adecuadas. Yo creo que es una de las técnicas que mejor se me dan. Me encanta como se hace la mezcla de colores para realizar los secundarios haciendo las luces con transparencia pero esta claro que la mayor luz es el blanco del papel por eso es difícil, no se puede rectificar. La técnica que más me gusta es la de húmedo sobre húmedo. Yo  es con la más me expreso y yo diría incluso que son de las pinturas en las me caracterizo mucho, enseguida se nota mi técnica porque me gusta trabajar de una cierta manera. Se puede utilizar también el movimiento y el aire como instrumento para pintar a parte del pincel.

miércoles, 19 de enero de 2011

Alejandro Correa....buzzzzzzzzzzz

En estos días he visitado varias exposiciones, entre ellas se encuentra una serie de cuadros en la CASA DE VACAS muy peculiares realizados por:
Alejandro Correa, es un venezolano que nació en Montreal en 1966, su obra se basa en experiencias vividas y puntos de vista que hay en su alrededor, quiere agradar o por lo menos hacer que sonriamos y verdaderamente lo consigue lo puedo asegurar,  es un proposito muy positivo el querer hacer sonreir a la gente y si es con arte mejor...

Define su obra como una extensión de su persona.Y su obra, quiere narrar y viajar a todos los mundos de mapamundi con las alas del hombre libelula, hombre mosca, con ojos penetrantes....(sus obras) abierto a un universo invisible y onirico...todo esto para secuestrar momentos que entrañan peligros hermosos y viaja para poder narrar desde todos los ángulos lo que ha sentido en su diambular....

En sus obras nada parece lo que parece pero parece todo lo que es.... es pintor y arquitecto, utiliza su imaginación con colores vivos, con toques de la pintura del graffiti, infantiles pero sensuales  y urbanos. Y si nos fijamos nada sobra en sus obras todo es armonico sin tener que sobrar nada de la composición...

La cruda realidad le ha parecido siempre mil veces más vital que la cultura  que se amontona en ciertos salones con mucho nombre mayúsculo que lo adorne...para el la realidad es su mundo de paisajes alegres e imaginarios y siempre sonrientes.

En su obra hay sentimientos como la sensación de violencia y explosión sensual poliformica, inocencia y vulnerabilidad, humanismo y tragedia travestida de espiral y transgresión, con mucha rebeldía contra el negro, blanco y gris.

SATURDAY NIGHT

UNA POR LA CASA

EL QUE PIERDA A LA´OLLA


BIKE, FRUITS AND BEACH

UMBRELLA SUNRISE


RAINDROPS KEEP FALLING ON MY HEAD

THE BOSS


VIRTUAL O QUE

MOSCAS POR UN TUBO


A mi me encanto es moderno y muy colorido no solo es pintura son historietas subrealistas, utiliza con la pintua en material plástico que nos enseño Raquel en clase para dar volumen y también añade materiles como cordones de las mismas botas que pinta. Los títulos son super curiosos os nombrare alguno en su despectiba foto, siempre utiliza lienzos grande y con forma cuadrricular aunque en alguna de sus obras se añade formas de la propia representación. Es distinto porque a mi e da la sensación como que querí represtar a los insectos como ser humanos como que nos robaron nos invaden todos los placeres de la vida, viviendo con alegría como los colores.En otro apartado os  hablare sobre el NEO-POP-ARTIST, relacionada con esta exposición y ahhhh estos cuadros están a la venta por si a alguien le interesa......

martes, 18 de enero de 2011

El Punto...............

He querido tocar este tema porque me parece muy básico pero fundamental para el estudio de la comunicación visual. Este tema lo hemos tocado también en otras asignaturas, pero he profundiizado mucho más en cada tema.

Voy ha empezar por el punto, como elemento morfológico: es un elemento de expresión plástica más o menos dentro del lenguaje plástico. No tiene porque ser regular. A través del punto podemos expresar ideas y emociones.

También lo podemos relacionar con los estudios que realizo Kandinsky sobre el punto, lo explica como el elemento visual más simple pero que desde un punto de vista se puede reconstrucción de una imagen por ejemplo una fotografía está formada por grano fotográfico, más o menos visible, en el caso de la fotografía fotoquímica o de “pixels” en las cámaras digitales. 
La mayor presencia del grano fotográfico puede ser un elemento que provoque un distanciamiento del espectador, que permita subrayar el grado de construcción artificial de la propia representación fotográfica. En algunos casos, la visibilidad del grano proporciona a la fotografía de una textura pictórica. En otras ocasiones, la no manifestación del grano de la imagen  puede relacionarse con una mayor verosimilitud de la representación fotográfica, cuando se persigue un efecto de realidad en la construcción de la imagen.

Pero ¿como es posible que un punto si es tan simple pueda expresar textura, distancia,  etc?
El punto es el elemento más simple y a la vez más complejo de la imagen. Es el elemento más utilizado en el plano del diseño. Morfológica y compositivamente, el punto es relativo y variable pudiendo adoptar infinitas formas, desde el grano fotográfico a la mancha de un pincel, significándose como un signo, una marca o una mancha, aislada y de reducido tamaño.
Otro ejemplo, observamos de cerca y con ayuda de una lupa una pantalla de TV podremos observar que la imagen se compone de puntos (rojos, verdes y azules) que dan forma a la image; si aumentamos la imagen paulatinamente iremos viendo los elementos que la componen (pequeños puntos). Al aumentar la imagen digitalizada, descubrimos los píxeles o unidades mínimas de información, que son puntos cuadrados.

Pero el punto no tiene que estar representado físicamente para mostrarse como elemento de la imagen o actuar plásticamente en la composición, ya que puede ser intangible, imperceptible e inmaterial. En este sentido, se pueden distinguir de tres tipos de puntos:
  • Centros geométricos: en el espacio plástico el centro es el foco o centro principal de atracción visual.
  • Puntos de fuga: son polos de atracción visual e provocan una visión en perspectiva.
  • Puntos, focos o centros de atención: son posiciones de la imagen que, por la disposición de los elementos icónicos, provocan y atraen la atención del observador.




Funciones del Punto

  • El punto cumple en la imagen una serie de funciones plásticas entres las que destacan las siguientes:
  • Crear pautas o patrones de forma mediante la agrupación y repetición de unidades de puntos. La conexión de puntos permiten dirigir la mirada.
  • Actuar como foco de la composición (punto focal) o centro visual.
  • Producir dinamismo al sugerir un efecto de movimiento.
  • Mostrar texturas y aportar sensación de espacio.

 

Otras Características:

El punto posee una gran fuerza de atracción visual cuando se encuentra sólo y crea tensión en presencia de otro, marcando un sentido direccional.
 El punto puede intensificar su valor por medio del color, el tamaño y su posición sobre el plano.
Cuando está colocado en el centro visual, por encima del centro geométrico, produce la sensación es de equilibrio compensado. Si el punto está en el centro geométrico parecerá encontrarse más bajo y se romperá dicha sensación de equilibrio, etc.
Por agrupamiento, el punto puede definir formas, contornos, tonos o colores. Crear ritmos en la composición, relacionar elementos próximos y sugerir movimiento.
 
He querido estudiar una forma de trabajar con el punto. Y tener en cuenta todas sus funciones y caracteristicas, esta forma de pintar se llama:

Puntillismo

El Puntillismo es un estilo de pintura que aparece por primera vez en 1883, encabezado por el pintor neoimpresionista Georges Seurat, y contando con entre sus más fieles seguidores tales como Henri Edmond Cross y Vlaho Bokovac. El procedimiento empleado por estos artistas, consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela, fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes seguidores del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la fundación de artistas independientes (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.
Este movimiento, dentro de las coordenadas del Postimpresionismo, parte también de la imagen de la naturaleza, es decir, del mismo motivo que los impresionistas, pero para ellos serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caractericen la esencia de la pintura. Su material de reflexión serán, sobre todo, los escritos de Charles Blanc y, de un modo más radical los impresionistas, los tratados científicos de Cheverul, Sutter, Rood y otros. Gracias a ellos, el Puntillismo vio abierto ante sí un campo en el que su tarea habría de ser la aplicación metódica de sus conocimientos y la reconciliación de los rígidos principios del dibujo con los principios ópticos intuidos por los grandes coloristas. La mente lógica y reflexiva de estos pintores pedía la reducción del instinto al orden, del impulso al cálculo, reduciendo a lo esencial, no sólo los temas de la vida moderna o el paisaje, sino también el método impresionista de presentarlos.
De hecho, la declaración de Charles Blanc (El color, que está controlado por leyes fijas, se puede enseñar como la música), publicada por primera vez en 1865 en su conocida Gramatica Ades arts du dessin, resume perfectamente la actitud de los puntillistas ante las posibilidades expresivas del arte e indica su programa. Según esto, al igual que existen relaciones matemáticas entre los tonos musicales, hay relaciones físicas entre los colores, que pueden demostrarse en el laboratorio y llevarse a efecto en el estudio. Con el fin de estudiar con más detalle la interacción de los colores y sus complementarios, algunos puntillistas confeccionaron un disco en el que reunían todos los matices del arco iris, unidos unos a otros mediante un número determinado de colores intermedios. En su paleta también utilizaban el blanco mezclado con los colores primarios, lo que les permitía obtener una multitud de tonos que iban de un color con una ligera presencia de blanco hasta un blanco casi puro. El disco se completaba de manera que los matices puros se concentraban en torno al centro, desde donde iban desvaneciéndose hacia el blanco hasta llegar a la periferia.
Los experimentos físicos habían probado también que la mezcla de colores los ensucia y desemboca finalmente en el negro. Por ello, la única mezcla capaz de producir el efecto deseado es la mezcla óptica, que se convierte así en el factor predominante de su ejecución. Tras haber reunido por separado en sus telas los elementos individuales de color presentes en la naturaleza, el pintor asignaba a la retina del espectador la tarea de unirlos de nuevo. La técnica de pinceladas de los impresionistas no permitía la exactitud matemática que necesitaban los puntillistas para aplicar su sistema con pleno rendimiento. Mediante la adopción de minúsculas pinceladas en forma de punto lograron acumular, incluso sobre superficies reducidas, una gran variedad de colores y tonos, cada uno de los cuales se correspondía con uno de los elementos que contribuía a la apariencia del objeto. A una distancia determinada esas partículas diminutas se mezclan ópticamente y el resultado tenía que producir una intensidad de colores mucho mayor que cualquier mezcla de pigmentos. En este sentido, sus estudios de luz y color sobrepasan los realizados por cualquiera de los impresionistas, pero también se encontraron con mayores dificultades. Con más conocimientos y un ojo más disciplinado, tenían que hallar todos los matices del espectro luminoso, así como un modo de iluminar u oscurecer un matiz dado en relación con los contrastes simultáneos producidos por los colores que le rodeaban.
A pesar de lo aparentemente acertado de la denominación de puntillismo, sobre todo en lo que se refiere a la técnica de este grupo, ni Seurat ni Signac la aceptaron nunca y ambos condenaron y evitaron rigurosamente este término a favor del de "divisionismo", que abarcaba mejor todas sus innovaciones.

Es el elemento icónico mas simple; sin embargo, su simplicidad no debe servir para ocultarnos la influencia plástica de éste y otros elementos similares. Al analizar los elementos mas simples, comprobamos que lo verdaderamente simple no existe.
Esta simplicidad les da una naturaleza que trasciende a la propia materialidad del medio de representación en el que se expresan a la forma misma de esa expresión.
El punto no necesita estar gráficamente representado para que su influencia plástica se haga notar. El centro geométrico de una superficie es un punto que aunque no esté señalado físicamente condiciona el espacio del plano.
Las propiedades que definen al punto como elemento plástico son: la dimensión, la forma y el color. Sus dimensiones físicas no son un factor decisivo. En lo que se refiere a la forma y el color que pueda adoptar este elemento lo mas notable es su capacidad de variación.
Al situar un elemento puntual sobre el plano de la representación, se crean tensiones visuales que dependen de su ubicación, aunque alguna de las propiedades antes indicadas, puede dinamizar la composición al producir un fuerte contraste.
El punto posee un poder de constitución en algunos tipos de imagen.
Un punto central estabiliza la composición al coincidir el centro geométrico del plano original con el estimulo visual. En una ubicación menos ambigua la tensión decrece sobre todo si el punto no se encuentra sobre alguno de los principales ejes estructurales del plano original.

Es una pequeña recopilación de información que he buscado. El puntillismo es una forma peculiar en el no solo se estudia solo el punto si no tambien otros elementos como el plano, la forma y el color. Yo diria que apartir de estos estudios y una buena técnica se puede conseguir un gran dibujo con dimensión. Bueno y eso es todo los próximos días publicare los demás elementos morfológicos.