Las cosas simples, Morandi.

Biografía 

Nacido en 1890 en Bolonia, en el seno de una familia de clase media, Giorgio Morandi, tras un breve período en el que trabajó en la oficina comercial que dirigía su padre,encauza su vida por el terreno de la plástica asistiendo a la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. Es la época en la que - a través de las reproducciones en blanco y negro del libro de Vittorio Picca  “Los impresionistas franceses” - va a descubrir a un Cézanne que será influencia permanente en su obra y a cuyo través va a estudiar las realizaciones de los, tras un viaje a Florencia a su vez descubiertos, primitivos renacentistas italianos: Giotto,Masaccio y, especialmente, Uccello. Junto a ellos, las páginas de la revista La Voce le habían asimismo acercado a los trabajos de Derain, del Aduanero Rousseau y del cubismo de Picasso y Braque.
    Tras superar en 1913, con ciertas dificultades, el examen de aptitud para la enseñanza, consigue una modesta plaza de profesor suplente en Escuelas Elementales que mantendrá hasta 1929 y que le llevará a pueblos perdidos de la región de  la Emilia, un trabajo que mantendrá hasta 1929. También  en 1913, había comenzado a relacionarse con los futuristas por mediación de su compañero de estudios Osvaldo Licini, que le había puesto en contacto con Marinetti, Russolo y Boccioni, e incluso presenta dos obras a la Primera Exposición Futurista Libre, celebrada entre abril y mayo de 1914 en Roma. No obstante, mantiene su independencia frente a este movimiento en tanto que, sin perder la impronta cezanniana, se va aproximando al cubismo.
   La primera guerra mundial va a interrumpir su carrera. Llamado a filas en 1915,enferma y es internado en un hospital. Aunque durante este tiempo pinta poco y destruye la mayor parte de su trabajo, sus problemas de salud no le impiden llevar a cabo un profundo proceso de reflexión que desemboca en 1918 en su llamado período metafísico.Ese mismo año conoce a Mario Broglio, editor de la revista Valori Plastici, y firma con él un contrato por toda su obra, que estará en vigor hasta 1924. Gracias a ello expondrá en 1921  en varias ciudades alemanas y, al año siguiente, en la Fiorentina Primaverile, muestra en cuyo catálogo apareció el antes aludido texto de Giorgio de Chirico asociando su obra a lo que llamó “la metafísica de los objetos más comunes”. 

   Superada a su vez la influencia de de Chirico, inicia su dedicación al paisaje y al bodegón con trabajos en los que es patente la influencia de Cézanne, e intensifica sus investigaciones sobre el grabado, una técnica que llegó a dominar con precisión y que le llevó a ser, entre 1930 y 1956 , profesor de grabado al aguafuerte en la Academia de Bellas Artes de su ciudad de origen. En 1945 se celebra su primera exposición individual, en la galería Fiore de Florencia, en 1948 es galardonado con el Primer Premio de la Bienal de Venecia y en 1957 con el gran premio de la de Sao Paulo. Falleció en 1964 en Bolonia. 

Su obra

Un paño, una cesta, dos o tres botellas...casi tan tranquila y silenciosa como su propia vida, la mirada de Morandi hizo del bodegón uno de sus temas preferidos, junto al paisaje y al retrato, hasta tal punto que es casi inevitable que no sea la de una de sus tan tocadas de pureza naturalezas muertas,entre cézannianas y cubistas, la primera imagen que se configura en la conciencia de cualquier aficionado al arte al simple escuchar su nombre. Es por ello que las quince obras de pequeño formato que componen la reducida pero delicada muestra que, propiciada por la Fundación Juan March,  se abre hoy en el edificio de las Casas Colgadas conquenses representan un buen acercamiento al universo icónico del pintor boloñés.

 De Giotto a Cézzane

En esta época, Morandi conoce la obra de Paul Cézanne a través de las reproducciones en blanco y negro del libro de Vittorio Picca Los impresionistas franceses; el maestro de Aix ejercerá una influencia decisiva en Morandi, especialmente en su larga serie de bodegones, que inicia en estos años. Poco después, las páginas de la revista La Voce le acercan la
obra de Derain, el Aduanero Rousseau y el cubismo de Picasso y Braque. Los estímulos modernos no son los únicos que actúan en su formación, pues, durante una estancia en Florencia, también en el decisivo año de 1910, Morandi queda fascinado por las obras de Giotto, Masaccio y, especialmente, de Paolo Uccello. En 1913, tras superar con ciertas dificultades el examen de aptitud para la enseñanza, consigue una modesta plaza de profesor suplente en escuelas elementales, que mantendrá hasta 1929 y que le llevará a pueblos perdidos de la Emilia. De esta época, De Chirico escribiría: "para mantener su obra en la pureza, de noche en las aulas desoladas de alguna escuela elemental, Morandi enseña a los niños las leyes eternas del dibujo geométrico, el fundamento de toda gran belleza y de toda profunda melancolía ".

Episodio metafísico 

También en 1913, el pintor comienza a relacionarse con los futuristas por mediación de su compañero de estudios Osvaldo Licini, quien le pone en contacto con Marinetti, Russolo y Boccioni. En los meses siguientes, Morandi asiste con cierta frecuencia a las reuniones del grupo y presenta dos obras a la Primera Exposición Futurista Libre, celebrada entre abril y mayo de 1914 en Roma. Pese a estos contactos, mantiene la independencia frente al movimiento liderado por Marinetti y, sin perder la impronta cezanniana, se va aproximando al cubismo. Morandi, que en 1912 había comenzado su importante actividad como grabador, verá su carrera bruscamente interrumpida por la Primera Guerra Mundial; llamado a filas en
1915, enferma gravemente y ha de ser internado en un hospital.
Aunque de estos años se conservan escasas obras -pinta poco y destruye la mayor parte de su trabajo-, los problemas de salud no le impiden llevar a cabo un profundo proceso de reflexión que desemboca en 1918 en el denominado periodo metafísico.
Ese año, Morandi conoce a Mario Broglio, editor de la revista Valori Plastici, y firma con él un contrato por toda su obra, que estará en vigor hasta 1924. Gracias a Broglio, podrá exponer en varias ciudades alemanas en 1921 y, el año siguiente, en la Fiorentina Primaverile, muestra en cuyo catálogo apareció el célebre texto de Giorgio de Chirico que asociaba la obra del pintor boloñés a lo que llamó "la metafísica de los objetos más comunes".

Actitud independiente

Pese a su relación con artistas como Carra o De Chirico, que agrupados en torno a Valori Plastici propugnan una vuelta al clasicismo ya la tradición, Morandi mantiene una posición independiente y sus obras de los primeros años veinte están más próximas al espíritu de Chardin o Corot que al de sus contemporáneos. Con todo, Morandi siguió interesado en los movimientos artísticos de su época; participó en las dos exposiciones del Novecento italiano, celebradas en 1926 y 1929, y mantuvo una relación estrecha con el grupo de intelectuales reunidos en torno a la revista Il SelVaggio, con los que concurre a la II Exposición Internacional del Grabado Moderno, celebrada en Florencia en 1927. Las exposiciones se multiplican, tanto dentro como fuera de Italia, aunque el primer viaje de Morandi al extranjero no se produciría hasta 1956. Esta actividad no le impide continuar con la carrera docente y en 1930 se le adjudica sin oposición -atendiendo a sus "méritos especiales"- la cátedra de grabado de la Academia de Bellas Artes de Bolonia, de la que será titular hasta 1956.

“Naturaleza muerta, con la tela a la izquierda” Giorgio Morandi , 1927

La belleza de la sencillez

Creadas en lo que se ha descrito como “el religioso espacio de su estudio”, las esquemáticas, casi cabría decir que idealizadas naturalezas muertas morandianas conforman una iconografía absolutamente personal y propia, serenamente revestida de quietud y silencio, en la que late eso que Antonio Rojas ha descrito como “el sublime reflejo del espíritu humano”. Unas obras en las que manda la sustantividad de un dibujo geométrico teñido de una melancólica belleza, la de su misma esencial sencillez; unas obras en las que vasos, tazas o jarras se tornan esenciales protagonistas convirtiendo los bodegones morandianos en paradigma de lo que Giorigio de Chirico no dudara en llamar “la metafísica de los objetos más comunes”; unas obras transfiguradas por lo que, a su vez, Cristino de Vera calificara como  el “silencioso y musitado aliento de la luz”, una luz que se adueña de los planos de silencio en que respira el conjunto todo.
Un hacer tranquilo y callado.



En mi opinión el encanto de las obras de Morandi esta en sus bodegones con un tema atmósferico y silencioso, aunque a al mismo tiempo intranquilas por esas enormes pinceladas que mueven la densa pasta de sus pinturas; en la gran fuerza que muestran los utensilios representados, que nos muestran pero aun asi pueden respirar cada una de sus obras; y en la forma de construir estructuras y volúmenes con tan pocos colores que casi se pueden contar con los dedos de las manos pero que una vez puestos en el lienzo, la incidencia de la luz nos engaña y nos hace creer que hay muchos más creando una gran armonía en la composición y riqueza.


Enlace encontrado; http://www.youtube.com/watch?v=Zfm_09bFKuc&NR=1&feature=fvwp

Pasitos de como hacer veladuras en óleo

¿ Qué son la veladuras? Me parece fascinante este ejemplo La veladura no es más que una fina capa de pintura transparente, la cual se aplica sobre una capa de pintura ya seca (por lo que dijo la profe nosotros vamos a trabajar con cada capa ya seca, pero es recomendable que quede la pintura seca por fuera y  un poco humedecida por dentro, os preguntareis porque tanto tiempo para este trabajo de veladuras, tiempo para el secado si no hacemos esta transición y dejamos secar la pintura, lo que haremos será una mezcla "húmedo sobre húmedo" que nos dará colores agrisados, perdiendo por tanto el fin de la veladura: colores transparentes.) cada veladura hira modificando su color (que puede ser fina o espesa); ello vá a permitir que la capa inferior sea visible a través de la veladura, por lo que habrá un resultado que no se podría conseguir de ninguna otra manera, mediante colores opacos.   Podríamos decir que la veladura es un método de mezcla del color, ya que altera el color de la capa que está debajo; y también podemos decir que para los retratos se basa de una capa de veladuras colores verdachos. Os cuento esto porque os quiero poner como ejemplo mi trabajo sobre las veladuras en acrilico, en un fondo oscuro (mezcla de magenta, azul y amarillo) encima le quise aplicar una veladura amarillenta quedandome una transición de verdacho,  para que no ocurra esto me aconsejo la profesora que le añadiera más magenta para conseguir mejor un anaranjado, evitando el vertacho que no me interesaba en mi cuadro.   Historia     La veladura se ha venido aplicando desde hace siglos, y los pintores del Renacimiento ya la usaban con profusión para conseguir unos colores muy luminosos, especialmente los rojos y los azules a base de sucesivas capas de color, más rico cada vez (y utilizando poquísima pintura opaca).     Así podemos ver como Rembrandt hacía un buen uso de esta técnica, sobre todo en sus retratos, pues tenía una habilidad especial tanto para conseguir la luz (las luces se consiguen manteniendo  los tonos blanquecinos del papel utilizado) como las sombras a base de ricas veladuras.También son reconocidos por esta téctinica Jan van Eyck

¿Como preparar una veladura?   Para preparar un color como veladura, deberemos usar mucho medio y poco pigmento: el medio consiste en una mezcla de aceite de linaza y esencia de trementina, aproximadamente al 50% (si queremos una veladura de más transparencia podremos usar aceite de nuez en vez de linaza).     La forma de prepararla es muy sencilla, consiste en echar una cantidad del medio preparado y añadirle un poco de pigmento, lo necesario para teñir el medio pero manteniendo siempre la transparencia; se prueba y si es necesario se añade algo más de pigmento pero sin pasarse.    También podremos añadir al medio una mezcla de colores previamente realizada aparte, siempre teniendo en cuenta que lo que una veladura persigue es el modificado del color seco ya prepintado, de una forma sutil.    Existen mediums sintéticos para preparar veladuras, que se venden para este propósito en tiendas especializadas.

Para un buen trabajo la verdad es que es recomendable la teoría del color pues habrá que hacer un estudio previo de las mezclas a usar en cada caso, nos lo facilitara si lo tenemos alado .       Como aplicar una veladura    Es lo más sencillo, pues habreis deducido por las explicaciones dadas que no es más que aplicar con un pincel (que no sea muy fino) unos trazos firmes, sin insistir mucho, encima de la capa previa ya seca.Vale tanto para realzar las zonas de luz, como para hacer mucho más profundas las sombras, variando en cada ocasión los colores aplicados, claro. Si se quieren obtener veladuras muy brillantes, se puede aplicar al medium que hemos preparado, un poco de "barniz holandés" pero con mucho cuidado y siempre probando antes. He buscado algún video interesante sobre el óleo, pero no me puedo descargar videos por lo que os dejo el enlace: http://www.youtube.com/watch?v=0GmWJBUqQm8

Trabajo transparencias

Hola Raquel!!!
Te explico como quiero hacer la composición de las transparencias de un principio había pensado hacer yo las fotos pero he recogido un par de imagenes con mejor calidad y detalles.
Lo primero son 3 lienzos los que he realizado (que por cierto uno de ellos se me ha quedado un poco flojo, ¿que hago? había pensado tensarlo de un lado un poco más y ya esta) te pongo una foto para que  más o menos te hagas una idea del tamaño de los lienzos: la grande llega a ser como una paleta de colores

Había pensado dibujar en el grande y en el mediano  la imágen de la izquierda, la de la jarra con el asa.

Mientras que al pequeño le pondría la imágen de arriba, la de las gotitas.

Mi difumino

Un difumino es un laminado de hoja de papel digamoslo comprimido, el interior es expulsado en forma de lápiz y se utilizadopor los artistas para mezclar el lápiz, el pastel y el carbón de leña. Este empuja el color alrededor del papel del dibujo, suavizando los bordes y los tonos para graduarlos. No se exactamente que tipo de papel podemos utilizar para hacer nuestro difumino, he estado buscando y algunos de ello se realiza con un  papel secante y delgado, pero claro hablariamos de un difumino industrial. Yo creo que para nuestro propio difumino podemos utilizar cualquier papel. Yo lo he realizado ahora mismo con ayuda, hay que decirlo, (por mi accidentillo...) pero vosotros lo podeis realizar sin ningun tipo de ayuda, y sin ninguna experiencia.

El primer paso es coger una hoja A4, dejaremos unos 2 dedos en cada ancho como lo veis el dibujo, marcando una diagonal, esta diagonal la cortaremos y obtendremos 2 piezzas de papel. Con esto podemos realizar 2 difuminos.

Segundo paso es desde el extremo más estrecho, trataremos de rodar el papel de manera uniforme y bastante bien, hacia el borde más ancho. Lo apretaremos lo mejor y lo más fuerte posible.Hasta llegar al final.

El tercer paso de nuestro difumino sera empujar con una aguja o un pincel nuestro conito, para formar una forma de lápiz.

Ya por último necesitaremos asegurar el papel con una pequeña tira de cinta adhesiva y recortar cualquier exceso de papel de la parte superior.

Terminado nuestro difumino podemos lijarlo un poquito para dejarlo suave y aterciopelado. Tambien podemos utilizar la lija para limpiar nuestro difumino ya utilizado o un papel en blanco y frotando sobre el.. Tengo que decir que también para difuminar podemos utilizar el dedo, un papel sedoso, un trapito o un cacho de terciopelo...por provarlo no pasa nada pero es más fácil comprarse ya un dufumino industrial, son muy baratos y los encuentras en papelerías o tiendas especializadas , nos durara más y puede ser más eficaz

Jackson Pollock

Pintor de 1912-1955, utilizaba el pripping una técnica de goteo de chorreo. Su profesor fue Thomas Hart Benton. Siempre trabajo con murales, esta idea de mural está relacionada cuando  hubo la revolución y cuando se quería informar sobre los ideales comunistas de Primo de Rivera utilizando murales. Y siente admiración por los muralistas mejicanos americanos. Trabajo en EEUU, su mujer Lee Krasner le ayudo. Y Peggy Guggenghein le admira (amante) y consigue que pueda exponer en el Guggenhein.

Se libra de sus obsesiones pintando, pero su pintura sus obras cambian cuando va a los Hamtons con su mujer. En esta nueva forma de pintar por goteo no quiere que pueda haber una figuración por eso no pone títulos a sus cuadros porque connota al cuadro. Tampoco hay prioridad espacial no existiendo los cuerpos, no se reconoce ninguna figura (no ismo- superficial). Pintaba con goteo en el suelo, para más tarde ponerlo como mural, siempre piensa como ponerlo en la pared (una referencia de rechazo de una verticalidad en el cuadro coge la idea de las catedrales, monet y recurre al trabajo en círculos y cada vez con menos colores). Tiene referentes de la ciencia de las imágenes microscópicas.

Obras:

-CUT GUT

-SERIE NEGRA (UNAS 50)

-RETRATO Y UN SUEÑO

- CAUDROS REFERENYES A LA PASCUA Y TOTEND (Glimbbert le critica por volver a lo de antes)

Jackson en vez de utilizar materiales artesanos con la calidad de los colores de la gran academia de bellas artes, con soportes especiales y los diferentes pinceles, él utiliza materiales industriales con esmaltados y pintura en lata, como soporte utiliza telas tipo mural y lo le hace lo que son las cerdas de los pinceles ya que su pincel no toca en ningún instante el soporte. Hace referente al primitivismo al usar el suelo.

Sus cambios fue de la figuración como PAISAJE MOINO, luego se carga la figuración sin un arte político existente, llega a una abstracción al que no se compromete con el paisaje ni con la naturaleza como DESCOMOPOSICIÓN CON PANCARTAS, y ya por ultimo intenta descubrir un nuevo territorio, reduciendo a cero la representación pictórica, acabando con la unidad del cuerpo, con la geometría, su mundo es aplanado y no como algo escénico.

Kurt Schwitters y sus collages

Decimos que el collage es una técnica artística que consiste en pegar objetos sobre un soporte para formar una nueva obra. Picasso y Braque fueron los primeros en utilizar esta técnica en sus obras pictóricas. Un tipo particular de collage es el de fotomontage realizado a base de recortes de imágenes impresas.

Pues bien cuando el collage se vuelve tridimensional hablamos de assemblage. Es un proceso de construcción escultórica que consiste en ir pegando unos objetos con otros para crear otro nuevo.Cuando el volumen de los objetos pegados en un collage es muy grande se puede decir que es un assamblage. He visto que muchas veces se cita a la obra de artistas emblemáticos por sus collages como Kurt Schwitters en ocasiones como collages y otras como asamblage así que podemos utilizarlos nosotros también.

Nos encontramos con un collage de estilo desenfadado y dadaísta de Kurt Schwitters. A pesar de que la estética es muy parecida a la del grupo Dadá de Berlín, Schwitters solamente pertenece un tiempo a este movimiento ya que es expulsado enseguida. Como consecuencia, él mismo crea su propio grupo Dadá en Hannover y le llama Merz. Este nombre viene de un trozo de palabra en uno de sus collages. La estética es prácticamente la misma pero la esencia y filosofía es distinta porque el grupo Merz, al contrario que los Berlineses, no son tendenciosos políticamente hablando y así lo muestran en sus escritos y obras. Se dejan influenciar por el constructivismo ruso, por su manera estructurada de hacer las cosas, e incluso por la limpieza de formas del grupo de Stijl. Pero siempre partiendo de su base protesta anti-arte, abogando por lo aleatorio y lo inmediato.

Este pensamiento se ve en Kurt Schwitters de manera más directa en sus collages, trabajos que realizó prácticamente toda su carrera artística desde el año 1919. Son recortes de prensa, fotos recortadas, entradas de autobús, trozos de cartón… todo colocado de manera aparentemente casual dando lugar a obras como esta que vemos, que nos proyecta distintas texturas y formas geométricas con trozos de palabras que dejan huella a pesar de no significar nada concreto. Hizo collages de muchos tamaños llegando hasta el gran formato y a pesar de aparentar aleatoriedad, llevaba detrás un minucioso trabajo.

Los collages no fueron el único trabajo artístico de Schwitters. Se trata de un artista polifacético que trabaja también con la literatura, los sonidos y la música. Tiene poemas de letras, partituras de música inconexa, obras de gran tamaño con materiales de deshecho… se trata pues de un revolucionario, por crear un estilo anti-arte de protesta como una burla a la sociedad actual, y un pionero ya que posteriores artistas, sobre todo después de la II gran guerra, han seguido su sendero y han utilizado los mismos materiales como método creativo.

 

Alberto Giacometti

Escultor del surrealismo, italiano,  1901-1966, no tuvo ningún tipo de estudios, pero su padre era un pintor del postimpresionismo. Viaja principalmente a París para empaparse del arte  moderno. En una cena de artistas se encuentra a Picasso y a Matise (quien enseña a Picasso una máscara) En esta época se puso de moda tener mascaras, sin duda alguna, Alberto  estaba muy interesado en estas. Realiza una máscara sobre la cultura kota, la  representa con características como la concavidad y convexidad, intenta dibujar  cuerpos clásicos pero sin estudios solo dibuja lo que llega a ver en la realidad. 

Sus esculturas son cuerpos esqueléticos, muy finos y estilizados. Intenta resolver de la manera más contundente posible los volúmenes  y entender los volúmenes de forma directa, geométrica. Esculturas policromadas, aplana y potencia las máscaras igual que la estructura formal con diferente material y diferentes esculturas. Sus obras estaban fundidos, con carácter fundido y funcional.

Sus referentes eran:

Del museo Trocadero, en Bruselas, por el interés en las artes primitivas que allí se exponía, las obras no solo eran estéticas sino también mantenía una función, pero pierden su sentido original y sagrado y como hemos dicho antes una de sus características es la representación de la concavidad y convexidad como un cuerpo femenino, como una cuchara la cual representa el vientre de una mujer  y su fertilidad. También podemos relacionar sus cucharas con las artes primitivas, estas culturas las utilizaban como herramientas- función.

La tradición del Louvre, está fascinado con Rembrant (en la que prima la densidad de los cuerpos) mantenía en los últimos trabajos sobre todo la misma escala que las figuras de la tradición, a escala. Sus obras filiformes, que son cuerpos hilo, existían en muchas culturas primitivas africanas. Son figuras totalmente depuradas como las de Brancusi.

Por el arte japonés, él conoce los grabados de Hokusay e Hirosigue, son grabados de la vida cotidiana, que él mismo hará copias y versiones. Realiza una versión de la exposición de parís 1851 sobre los grabados japoneses.

Por el arte egipcio, también admira los rostros y los perfiles de esta cultura –primitiva.  Está fascinado por las enciclopedias, en las que dibujaba. Este interés es porque Napoleón quiso tener mucha arqueología egipcia e hizo una gran enciclopedia donde situaba todos los rincones de Egipto “descripción de Egipto”. Fue el primer libro publicado junto con el nuevo horario de Napoleón. También hay ejemplos de cuerpos egipcios de 1920 referente a todo la enciclopedia de Napoleón.

Y tiene voluntad de buscar cuerpos cilíndricos como los de Cezanne.

-IDOLOS DE LA GUERRA Y LOS IDOLOS DE LA MATERNIDAD, los representa como animales chamanicos con influencias de otras mascaras de las culturas basouga y basundi. Al igual que Karl Einstein, historiador expresionista alemán, también le influyo las mascaras, hizo un estudio del uso de artistas contemporáneos y  la pregunta ¿para que eran realmente las mascaras?

-LA MUJER CUCHARA, vaciado de bronce como en la tradición, COMO LA MUJER ACOSTADA, la nariz-casco mascara de la cultura baining,indo-americana.

 –FIGURA, con cultura nyhuwez.

-LA MUJER QUE MARCHA, de 1930, arte móvil y muda.

-LAS MUJERES DE VENECIA, esculturas pinchadas ,sus soportes se introducen como raíces en el suelo y sus pies se ensanchan.